水墨园林怎么画，水墨园林要充分利用水墨的浓淡 用笔的点线
来源：整理 编辑：航空兔素材 2023-11-18 00:18:46
1，水墨园林要充分利用水墨的浓淡 用笔的点线
（粗）、（细）最后一个空实在想不到，希望可以帮到你~~(*^__^*) 嘻嘻……你好！最后一个空是（皴），老师讲过仅代表个人观点，不喜勿喷，谢谢。
2，怎么样画好园林水彩效果图
水彩一般比较淡的颜色，园林颜色比较浓，所以水彩画园林要注意很多细节：
1，如果你想朦胧一点的效果图，当然是调试水彩的时候颜色要淡一些。
2，效果图一般较旧效果吗，颜色当然要和真实无异。但是物体的边框就要注意了，如果不想建筑物的颜色下笔的时候走形，就最后用尖的蜡烛沿着边框勾勒一层，注意就不会走形.
3，园林的树木花朵不是主题，颜色就可以朦胧一点，但是要注意园林草木的布局，不然就不是园林咯.
4，下笔如果重了可以用一支干净的笔焦水后反复刷梦，但是要求你用的纸质量不好咯。
5，园林的建筑物要精致，待主要颜色干后，用最细的毛笔勾勒出窗和琉璃。因为这些是园林重要的因素哦.
以上是我的建议，希望对您有所帮助
3，请问江南园林的人文特征是什么谢谢
江南园林其用色为：白墙、黑瓦、灰色的假山、红色的柱、绿色的树碧水、翠竹、蓝天，构成了一幅高雅、鲜明、幽静的画面，使人在其环境中感到心情愉悦、高尚，色彩的运用与其功能达到了完美的统一。 江南园林里山石花木色彩姹紫嫣红 , 但建筑的色彩却非常简单。粉墙、黛瓦、栗色的窗和柱 , 就是建筑的全部色彩了。这简单的色彩 , 看似单纯 , 却以不变应万变 , 衬出了满园的风光无限。 自古以来 , 造园一直受到道家思想的影响 , 在建筑色彩的选择上 , 我们也可以看到它的作用。黑白二色 , 是道家最推崇的色彩。黑色是最深暗的色 , 庄重、高贵、超俗、沉静 , 《易经》定天色为玄(黑) , 地色为黄 , 所谓“天玄地黄”。老子曰“玄之又玄 , 众妙之门”, 玄 (黑) 色有派生一切色彩并高于一切色彩的功能。白色是最明亮的色彩 , 轻快、朴素、纯洁。它也是道家所重视的 , 《淮南子原道训》载“色者 , 白立而五色成矣”。道家认为一切事物的生成变化都是有和无的统一 , 而无是最根本的 , “无”就是道 , 按这一观点解释 , 白 (无色) 和五色应该是同统一的 , 既相互独立 , 又相互依存 ; 但无色是本原 , 五色与白 (无色) 相生、相和 , 这一思想直接影响了绘画美学思想。古代园主多为文人墨客 , 造园思想深受绘画理论影响。绘画史上 , 自唐代后期至五代水墨山水画出现 , 墨色的运用已日趋成熟 , 并将墨色的作用提到各色之上 , 中国绘画已从重色彩转变到重水墨 , 文人画逐渐以追求运用墨色变化来创造艺术境界。苏州园林一直有文人造园的传统 , 他们的审美倾向直接决定了园林里粉墙黛瓦的建 筑形象。 江南园林里建筑类型丰富 , 亭台楼阁高低错落 , 如果色彩过于复杂 , 势必不能统一 , 甚至有可能喧宾夺主 , 突出了个别建筑而破坏了园内的整体协调。在形式美的创造中 , 色彩比造型有更强烈的视觉冲击力。当建筑全部采用粉墙黛瓦的无彩色 , 它们非常容易和有色彩协调起来 , 丰富的形象极为和谐 , 配以水石花木 , 就产生了平淡素净的色彩美 , 显示出一种恬淡雅致 , 有若水墨渲染的山水画的艺术效果 , 使江南园林园林真正成为立体的诗 , 立体的画。 江南园林的色彩美 , 来源于对自然色彩的深刻观察 , 并用艺术的手段加以再现 , 形成有彩色系以植物的绿色为基调 , 点缀以花卉、果实的缤纷色彩 , 无彩色系以建筑粉墙黛瓦为特征 , 充分衬托、展现了自然之美 , 达到了“澹然夫极而众美从之”(《刻忌》) 的境界。对色彩的灵活运用配合以其他的造园手段创造了苏州园林优美的空间环境 , 终于获得“虽由人作 , 宛自天开”的效果。这种处理环境色彩的手法值得我们设计工作者学习。
4，结合中国园林假山植物建筑理水的造型艺术特征简要分析中国山
中国绘画对中国古典园林的发展有非常深的影响，它把中国古典园林推向更高的艺术境界，赋予中国古典园林以鲜明的民族特色——诗情画意。中国山水画和中国园林的关系历经长久的发展形成了“以画入园，因画成景”的传统，不少园林作品直接以某个画家的笔意、某种流派的画风作为造园的蓝本，融铸诗画艺术于园林艺术，表达意境。中国山水画与中国古典园林的关系可以追溯久远。在魏晋南北朝山水已经摆脱了作为人物画的背景的状态，开始出现独立的山水画。在这个时期，人们对自然美从直观、形式的认识中有所突破，不是单纯地追求巨大的苑囿、崇尚富贵、铺张罗列，而是追求自然恬静、情景交融，园林艺术创作进入一个崭新的阶段。到唐代，文人写意山水画兴起，这对古典园林的影响更为直接、深刻。两者的创作道路相同，造园从立意构思到具体技法都全面借鉴于绘画以增强其艺术表现力。诗人王维抛弃了魏晋以来模拟自然的画法，首创水墨写意山水画。同时文人士大夫常参与造园活动而逐渐形成了比较全面、深刻的“园林观”。这些都导致了古典园林情景意境和风貌的变化，即由写实向写意的转化。中唐以后，士大夫阶层在禅宗精神超然物外之哲理思想的濡染下，注重内心感悟。他们营造园林，立于自己的心性，以片石勺水，丛花数竹，寓情游心。这就为在园林有限的空间中展现无限的自然山水，提供了审美依据，这种打破了小自然与大自然的根本界限，构筑了文人园林中以小见大、咫尺山林的园林意境，并形成“小中见大”、壶中天地的园林模式和艺术观念。此后，古典园林多呈现出不计大小，精致为尚的倾向。这一方面表现在园林面积、规模方面，如“半亩园”、“残粒园”；另一方面，叠石为山、掘池为水、单株花木，皆成风景。“小中见大”，在画中，在园林中，形成中国人独特的以有限表达无限的艺术法则。古典园林的塑造，到宋代得以最终完成。简远、疏朗是宋代文人园林的特点，也是创作手法趋向写意的表征。简远即景象简约而意境深远，这在山水画论中可以得到印证。如《宣和画谱》提出要“精而造疏，简而意足”的主张。山水画和古典园林的这种格调与禅境是相通的，平凡、朴实却又微妙、精深，在这样的境界中，可以寄托文人们的精神理想——得其心源，游心适意。文人在园林壶天中“幽居默处而观万物之变，尽其自然之理”，自认为感知到了生命韵律，人格价值获得美妙升华；拳石勺水、一斋半亭之类景物皆能体现精神理想，渺小的自身与广阔无垠的宇宙冥然合一，从而实现对“天”、“道”的追求。这就决定了古典园林的创作原则并不必然是写实地模山范水，而可以满足于象征性点缀。一拳石则苍山千仞，一勺水则碧波万顷；层峦叠嶂，长河巨泊，都在想象中完成，山水花木主要起“比”、“兴”的作用，都成为文人寄兴抒情的对象。这就是写意的手法。古典园林的写意手法在叠石造山上得到最典型的表现。可以说，叠山艺术把借鉴于山水画的“外师造化，中得心源”的写意方法在三度空间的情况下发挥到了极至。曰山，曰水，不过是一堆土石，半亩水塘而已，不求形似，唯其神似，而获“咫尺山林”之境。在山水画论中有“远则取其势，近则取其质”的说法，因为人对自然山水的观赏，只有在一定的空间距离和高度上，才能获得高耸入云，绵延万里的整体之势。而在山脚或山中，看到的只是杂树参天，石块嶙峋，老树盘根的局部景象，但从这局部的景象中，可以直观地感知是山的一部分，从而联想到山的整体。因此就有了马远、夏珪的“剩水残山”，虽然是一角山岩，半截树枝，却让人感知画外有画，山外有山。园林叠山理水也正是从这局部景象加以提炼、概括，集中表现出山的形“质”，人们才可能从局部的山麓意象中有涉身岩壑之想。古典园林的写意手法从植物造景上也有体现，如竹是文人画的主要题材，它象征人品的高尚、节操。苏轼甚至说过这样的话：“可使食无肉，不可居无竹；无肉令人瘦，无竹令人俗。”园中种竹也就成了文人追求雅致情趣的手段，作为园林的雅致格调的象征。再如梅花、菊花也是入画的题材。在园林中栽植梅、菊，除了观赏之外也同样具有拟人化的用意。看来都是今天下午要考试的
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